Ausstellung ab 1. Dezember im Rangfoyer des Theater am Goetheplatz

„Träume nicht“ wurde Walther Kahl in Kinderjahren als Ratschlag mit auf den Weg gegeben. Schon als Fünfjähriger wollte er Maler werden, weil ihn der Unterschied zwischen der real erfahrbaren Welt und den Bildern in seinem Kopf quälte. Dann entdeckt er Reproduktionen von Gemälden ohne diesen Widerspruch und entscheidet sich Künstler zu werden. Heute sagt er von sich: „Bin weitgehend das Kind geblieben, ein Flegel, der aber schließlich doch eine Disziplin gelernt hat. Die Malerei.“ Der 1948 geborene Künstler studierte bei Rudolph Hausner an der Hochschule für Bildende Künste in Hamburg. Walther Kahls Werke wurden bisher nicht nur national in Hamburg, Bremen und Hannover präsentiert, sondern auch international in Belgien und Dänemark.

Der Titel der Ausstellung „Stain’ Alive“  ist im Doppelsinn zu verstehen – stain, der Fleck – aus dem die Malerei sich aufbaut und ebenso die Anmutung der Bilder, in denen „konstruierte“ Flecke wirken, wie lebende Zellstrukturen, die gleichzeitig auch auf Figuratives anspielen. In seinem jüngsten Bildzyklus „Vogel und Weizenkorn“ sind menschliche und tierähnliche Figuren zu sehen.

Die Ausstellung „Stain’ Alive“ von Walther Kahl ist bereits die fünfte Ausstellung der Theatergalerie Bremen.

Der Eintritt ist frei. Geöffnet ist Theatergalerie Bremen dienstags bis samstags von 12 bis 17.30  Uhr oder nach Vereinbarung. Führungen durch die Ausstellung mit der Kuratorin Annette Schneider finden an jedem ersten Samstag im Monat um 14 Uhr statt – Treffpunkt Kassenhalle des Theater Bremen

Museum für Konkrete Kunst

Der Konstruktivismus hat das Bild der Moderne stärker geprägt als jede andere Kunstrichtung des 20. Jahrhunderts. Nie standen bildende Kunst, Architektur, Typographie und Produktdesign in einer engeren Beziehung zueinander und haben sich gegenseitig stärker beeinflusst – so konnten die künstlerischen Ideen der 20er Jahre unmittelbar Eingang in die moderne Lebenswelt finden.

Die Ausstellung „Bauhausstil oder Konstruktivismus?“ im Museum für Konkrete Kunst Ingolstadt stellt dieses Phänomen erstmals vor dem Hintergrund der wichtigsten deutschen Schauplätze, an denen diese Entwicklung stattfand, umfangreich vor. Sie präsentiert Werke der wegweisenden Künstler, Gestalter und Architekten der 20er Jahre, etwa von Kurt Schwitters, El Lissitzky, Wassily Kandinsky, Mies van der Rohe, Marcel Breuer, Jan Tschichold oder Willi Baumeister.

Nachdem die konstruktivistische Kunst zu Beginn des Jahrhunderts in den Niederlanden (‚De Stijl’) und in Russland (Suprematisten und Konstruktivisten um Kasimir Malewitsch und El Lissitzky) ihren Anfang genommen hatte, erfuhr sie in den 20er Jahren in Deutschland ihre entscheidende Fortentwicklung. Hier trafen Künstler aus verschiedenen Teilen Europas zusammen, um gemeinsam am ästhetischen Projekt der Moderne zu arbeiten. So haben etwa El Lissitzky, der Ungar László Moholy-Nagy und der Niederländer Theo van Doesburg für längere Zeit in Deutschland gewirkt.

Die bekannteste Institution der Moderne ist sicherlich das Bauhaus, das in der allgemeinen Wahrnehmung am nachhaltigsten mit fortschrittlichem Design und moderner Architektur verbunden wird – sowohl heute als auch bereits in den 20er Jahren. Doch auch in anderen Städten wurden bedeutende Meilensteine für die Entwicklung der modernen Gestaltung gesetzt.

Berlin kam hierbei die Rolle des wichtigsten Sammelbeckens zu, in dem viele Künstler erstmals zusammentrafen. Aber auch die Weißenhofsiedlung in Stuttgart, das Projekt Das Neue Frankfurt sowie die Künstlergruppe die abstrakten hannover und die Grafikervereinigung ring neue werbegestalter in Hannover waren bestimmend für die Ästhetik der Moderne. Auffällig sind hierbei der enge Austausch, der zwischen diesen Zentren stattfand, und die enge Zusammenarbeit der Künstler untereinander.

In Ingolstadt werden Arbeiten der wichtigsten konstruktivistischen Künstler der 20er Jahre wegweisenden Werken aus dem Bereich der angewandten Kunst gegenübergestellt. Produktdesign, Typographie und Architektur werden so in den Kontext der bildenden Kunst eingebunden, wodurch die gegenseitigen Einflüsse offensichtlich werden. Angesichts des bevorstehenden Jubiläumsjahres des Bauhauses 2009 soll die Ausstellung zeigen, dass nicht nur am Bauhaus, sondern auch an anderen Orten und Institutionen ebenso entscheidende und für die Gestaltung der modernen Lebenswelt teilweise entscheidendere Entwicklungen stattgefunden haben.

Zur Ausstellung erscheint ein umfangreicher Katalog im Wienand Verlag.

Hinweis:

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Termine

12.10.2008 - Museum für Konkrete Kunst, Ingolstadt

Kontakt

Pressekontakt

Dorothea Niggemeier
Tel. 0841 / 379 36171

Sandra Plomer

Musik in der bildenden Kunst.
Les Grands Spectacles III. 
19.07.08 – 12.10.08

Eröffnung: Sa 19.07.08, 11:00 Uhr

Die Ausstellungstrilogie „Les Grands Spectacles“ wird diesen Sommer mit dem Thema der Musik in der bildenden Kunst abgerundet. Die Ausstellung zeigt Partituren, Objekte, Fotografien, Videos und Videoinstallationen, Aufzeichnungen von Aktionen und vieles andere mehr. Sie setzt gleich an ihrem Beginn jene Akzente, die zu ihrem Leitfaden gehören: die radikale Abwendung der Kunst in ihren Avantgardebewegungen am Beginn des 20. Jahrhunderts von der bürgerlichen Kultur des 19. Jahrhunderts. Virtuosität, Geniekult, klassische Instrumente, musikalische Harmonien und Melodien wurden radikal in Frage gestellt.

So setzen die jungen Künstler des italienischen Futurismus der harmonischen Musik die Geräusche des Alltags und der zunehmenden Technik gegenüber; Luigi Russolo erfindet dazu eigene Instrumente, die „Intonarumori“. Auf die politische Seite des Futurismus spielt sehr viel später wiederum Günther Uecker mit seinem „Terrororchester“ an, das sich aus Geräusche produzierenden Objekten zusammensetzt.

In der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts führt der amerikanische Musiker John Cage eine neue Verschmelzung der Künste in Hinblick auf Klangorganisierung und Wahrnehmung der Zuhörer in die Musikund Kunstwelt ein. Zahlreiche Künstler widmen dieser zentralen Vermittlerfigur zwischen bildender Kunst und Musik in der Folge Objekte. Als wichtiger Anreger für die Fluxusbewegung werden jene Werke von Fluxuskünstlern gezeigt, die sich auf Cage direkt beziehen, seinen Hang sowohl zur Veränderung technischer Aspekte, wie auch der Einbeziehung des Elektronischen aufnehmen oder in den Aktionen der Fluxusbewegung das Prinzip eines „kalkulierten Zufalls“ weiterführen. 1959 entwickelt Nam June Paik in seiner „Hommage à John Cage“ erstmals das Konzept seiner Aktionsmusik: Hier haben zufällige Töne und Geräusche den gleichen Stellenwert wie etwa die klassischen Klänge eines Instruments oder die Augenblicke der Stille.

Aber auch die Korrespondenz von Körper und Instrument wird in der Fluxusbewegung sichtbar gemacht. 1967 tritt die Cellistin Charlotte Moorman in der Aufführung der „Opera sextronique“ (von Nam June Paik) halbnackt auf und macht damit die offenbar obszöne Korrespondenz zwischen dem anthropomorphen Cello und der Cellistin explizit. Diesen und weiteren Kunstwerken, welche die Verbindung von Körper und Instrument deutlich werden lassen, stehen die Bilder des 19. Jahrhunderts gegenüber, die noch Frauen am Klavier in entsprechender genormter Distanz und Haltung zeigen. Karikaturen auf Niccolò Paganini oder Ludwig van Beethoven am Ende des Ausstellungsparcours schließen den Kreis als frühe Vorboten einer Gegenbewegung, die zur künstlerischen Avantgarde am Beginn des 20. Jahrhunderts als Kunstprinzip den Dilettanten, das Anti-Virtuose hervorbringt.

Kuratorinnen: Brigitte Felderer, Eleonora Louis
Kuratorische Mitarbeit: Andrea Hofinger, Tina TeufelAber auch die

Ausstellung vom 2.7.2008 -2.8.2008
Eröffnung am 1.7.2008 um 19.00


In Ihrer nächsten Ausstellung präsentiert die Galerie Pankow Studentinnen und Studenten der Klasse von Prof. Thomas Hartmann der Akademie der Bildenden Künste in Nürnberg

Seit mehr als zwei Jahren leitet Prof. Thomas Hartmann die Klasse für Freie Malerei an der Akademie der Bildenden Künste in Nürnberg. In dieser kurzen Zeit hat er es geschafft, seiner Klasse ein unverwechselbares und eigenes Profil zu geben. Während der Ausbildung ist die künstlerische Entwicklung, das Lernen, ebenso wichtig wie die Klassengemeinschaft. Thomas Hartmann legt Wert darauf, dass es in der Klasse ein Arbeitsklima gibt, ein gutes, ein produktives Miteinander. Es muss eine Metamorphose stattfinden, die die Kreativität „vom Einzelnen zur Gemeinschaft und wieder zurück zum Ich“ beflügelt. Um diese Entwicklung der Klasse Prof. Hartmann und gleichzeitig
die Entwicklung jedes einzelnen Studierenden zu zeigen, entstand die Idee einer Ausstellungsreihe mit
vier Kultureinrichtungen in ganz Deutschland – Museum der Stadt Ratingen, Galerie Pankow, Kunstverein Weiden und Akademie Galerie Nürnberg.

Der Titel „Pavillon 15“ bezieht sich auf den Arbeitsort der Studentinnen und Studenten in der Akademie der Künste in Nürnberg.
Es nehmen 15 Studierende der Klasse am Projekt teil: Christiane Bergelt, Birke Bonfert, Tobias Buckel, Fatma Güdü, Maximilian Geyer, Stephan Haimerl, Ludwig Hanisch, Matthias Höppel, Miachel Hottner, Kai Klahre, Philipp Kummer, Jasmin Schmidt, Thorsten Schröger, Michael Seidner, Donata Benker

Eröffnung: Thomas Demand
Zur Ausstellung erscheint ein Katalog

Annette Tietz
Bezirksamt Pankow, Amt für Kultur und Bildung,
FB Kunst und Kultur
Galerie Pankow
Breite Straße 8, 13187 Berlin

Eröffnung:  Sa 21. 6. 2008, 11.00 Uhr  
Die Künstlerin ist anwesend. 

Das MdM Rupertinum zeigt anlässlich der von Rebecca Horn ausgestatteten Insezenierung von Salvatore Sciarrinos Oper "Luci mie traditrici“ in der Kollegienkirche (Salzburger Festspiele) eine repräsentative Auswahl aus ihrem Schaffen: großformatige Körperzeichnungen, die sie als „Bodylandscapes“ bezeichnet, und gefühlsbetont aufgeladene skulpturale Objekte der letzten Jahre geben einen Einblick in ihr umfangreiches Schaffen und werden durch eine Auswahl an kleinformatigen Zeichnungen sowie frühen Filmen ergänzt. Viele der ausgestellten Objekte und Zeichnungen haben im MdM Rupertinum Première.

Ob in den ersten Performances und Filmen, Skulpturen, Rauminstallationen, Zeichnungen oder Fotoübermalungen, das Oeuvre der deutschen Künstlerin Rebecca Horn setzt sich seit den 1970er Jahren intensiv mit dem Raum, dem menschlichen Körper und seiner Übersetzung in kinetische Objekte auseinander, lotet die Grenzen von Raum und Zeit aus. Fundstücke, mechanische Apparate und oftmals malerische Eingriffe sind die Elemente, aus denen ihre Kästen und bewegten Skulpturen entstehen. Sie scheinen sich aus ihrer ursprünglichen Funktion und ihrer Materialität zu lösen und von Rebecca Horn in eine immaterielle Metaphorik ständiger Transformation überführt zu werden. Nicht selten liegen diesen Werken mythische Bilder, kulturgeschichtliche, literarische, geistige oder politische Bezüge zugrunde.

Dem bewegten skulpturalen Oeuvre steht ein umfangreiches zeichnerisches Schaffen gegenüber, das diesem vorerst entgegengesetzt zu sein scheint: Die Zeichnungen sind Ausdruck intensiver Auseinandersetzung mit dem menschlichen Körper generell und dem eigenen im Speziellen, mit Erotik und Identität, die auf mitunter sehr expressive und lyrische Weise im Sinne eines „abstrakten Symbolismus“ (Donald Kuspit) umgesetzt werden. Besonders in der Zeichnung spiegelt sich das Spannungsverhältnis zwischen konzeptuellen und performativen Aspekten im Schaffen Rebecca Horns wieder.

Die 1944 geborene Rebecca Horn wurde mit zahlreichen Preisen ausgezeichnet, u.a. wurde ihr 1992 als erster Frau der Kaiserring der Stadt Goslar verliehen. Sie ist seit 1984 in zahlreichen internationalen Ausstellungen vertreten. Zu den wichtigsten Einzelausstellungen zählen die Retrospektive im Solomon R. Guggenheim Museum, New York, 1994, die in adaptierter Form 1995 in der Kunsthalle Wien (unter der Leitung von Toni Stooss) zu sehen war, „Bodylandscapes. Zeichnungen, Skulpturen, Installationen 1964 – 2004“ im K20 Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen Düsseldorf, 2004, „Rebecca Horn – Zeichnungen“ im Exhibition Centre, Centro Cultural de Bélem, Lissabon, Portugal, 2005, die Retrospektive im Martin-Gropius-Bau Berlin, 2006, sowie die jüngste Ausstellung „Jupiter im Oktogon“ im Museum Wiesbaden anlässlich der Übergabe des Alexej von Jawlensky-Preises der Landeshauptstadt Wiesbaden 2007.

Zur Ausstellung erscheint die reich bebilderte Publikation „Love – Hate“ in der Edition Rupertinum mit einem Vorwort von Toni Stooss, einem Essay von Peter Stephan Jungk sowie poetischen Notizen von Rebecca Horn.

Zum 25. Mal bringt das ImPulsTanz – Vienna International Dance Festival heuer Wien zum Tanzen. Ein besonderer Anlass, Ihnen vom 10. Juli bis 10. August 2008 nicht nur ein hochkarätiges Jubiläumsprogramm zu präsentieren, sondern auch ImPulsTanz selbst in neuem kreativen Design erstrahlen zu lassen.

Renommierte ChoreografInnen und KünstlerInnen wie Jan Fabre, Marie Chouinard oder William Forsythe zeigen in zahlreichen Performances außergewöhnliche Augenblicke des zeitgenössischen Tanzes, in über 200 Workshops wird die Möglichkeit zur Teilnahme am kreativen Schaffen geboten. Das aktuelle Programm finden Sie unter www.impulstanz.com

Den schillernden Auftakt zum 25. ImPulsTanz Festival stellt das öffentliche Konzert von Roysten Abel dar. In „The Manganiyar Seduction“ wird er im Hof des Museumsquartiers mit über vierzig indischen Musikern in einem vierstöckigen Bühnenbild dem Publikum das „Alphabet der Liebe“ darbieten. In einzelnen, nacheinander aufleuchtenden Kabinen ertönen der Reihe nach die Instrumente und lassen so zur Musik aus den Wüsten von Rajasthan ein magisches Ambiente entstehen.

Neu im Jubiläumsjahr ist auch eine einzigartige Zusammenstellung verschiedener Tanzdarbietungen im Rahmen eines Gala-Abends im Burgtheater. Mehrere Stücke brillanter ChoreografInnen wie William Forsythe und Angelin Preljocaj in Zusammenarbeit mit dem Kirov Ballett St. Petersburg und dem Ballet de l’Opéra National de Paris werden gezeigt, auch Marie Chouinard und Anne Teresa De Keersmaeker sind im Programm vertreten.

Anne Teresa De Keersmaeker und ihre Compagnie Rosas werden darüber hinaus zwei weitere ihrer Aufführungen im Rahmen des Festivals zeigen. Zusammen mit dem Ictus-Ensemble widmen sie dem amerikanischen Komponisten Steve Reich einen Abend: In Kooperation mit dem Theater an der Wien werden beim „Steve Reich Evening“ Schlüsselwerke der Choreografin gezeigt, die zur Musik von Reich entstanden sind. In „Zeitung“ stellen sie gemeinsam mit dem Pianisten Alain Franco die unbeständige Beziehung zwischen Musik und Tanz dar und schlagen eine musikalische Brücke über das Werk von Bach und Webern in die Jetztzeit.

Von der Jetztzeit in die Vergangenheit schweift Marie Chouinard mit „Orpheus and Eurydice“ – inspiriert vom griechischen Mythos, beschwört sie die Lust und Leidenschaft an der Körperlichkeit herauf und bietet so eine neue Interpretation der bekannten Liebesgeschichte.

Menschliche Gefühle stehen auch für Wim Vandekeybus und seine Compagnie Ultima Vez im Mittelpunkt. Sie gehen in „Menske“ der Frage nach, wie Menschen auf das Unbekannte reagieren und erforschen die verschiedenen Möglichkeiten, mit neuen Situationen umzugehen.

Einen außergewöhnlichen literarischen Zugang zu Tanz bieten der norwegisch-iranische Choreograf Hooman Sharifi und seine Impure Company mit „God exists, the Mother is present, but they no longer care“. Auf der literarischen Grundlage der Werke von Friedrich Nietzsche, Hannah Arendt oder Peter Handke geben sie eine Performance zum Besten, bei der der Akt des Lesens zum wesentlichen Bestandteil des Prozesses wird, den die TänzerInnen und das Publikum zusammen durchleben.

Kulturelle Unterschiede und deren Bedeutung werden in den Darbietungen unter anderem von Akram Khan und Robyn Orlin beschworen.

Der Choreograf Akram Khan lässt in „bahok“ acht TänzerInnen mit verschiedenen kulturellen und tänzerischen Hintergründen, wie des National Ballet of China, zusammentreffen. Zur Musik von Nitin Sawhney unternehmen sie den Versuch ihre jeweiligen Erfahrungen, Erinnerungen und Träume zu kommunizieren und zu teilen, während sie doch selbst mit ihren Körpern verschiedene Sprachen sprechen. 

Die provokante südafrikanische Choreografin Robyn Orlin setzt sich in "Dressed to kill... killed to dress..." mit der politischen und sozialen Lage in ihrem Heimatland auseinander, wo schwarze Wanderarbeiter „Swenkas“ ihrem harten Alltag durch nächtliche Modeschauen entfliehen.

Eine Welt außerhalb der Realität beschwört hingegen die Needcompany mit Grace Ellen Barkeys „The Porcelain Project“: Die Grenzen zwischen Theater, Performance und Kunst werden aufgehoben, Porzellanobjekte zum entscheidenden Element des Abends.

Die Möglichkeit zur aktiven Teilnahme an ImPulsTanz bietet das vielfältige Workshop-Programm, zu dem man sich bereits ab Mai anmelden kann. Das aktuelle Programm finden Sie bereits jetzt unter www.impulstanz.com und in dem demnächst erscheinenden ersten Katalog. In den unterschiedlichsten Tanzkategorien wird jedem die Möglichkeit geboten, mit hochkarätigen ProtagonistInnen des diesjährigen Performance Programms wie Antony Rizzi, Louise Lecavalier, Benoit Lachambre oder DD Dorvillier zu arbeiten.

Wir freuen uns über Vorberichterstattung und stellen Ihnen bei Bedarf gerne detailliertere Informationen und Bildmaterial zu sämtlichen Produktionen und Workshops zur Verfügung!

Das gesamte künstlerische Schaffen von Rolf Glasmeier ist geprägt durch die Vereinigung von scheinbar Gegensätzlichem, das Überschreiten von Grenzen und Aufheben traditioneller Kategorien, die Freiheit zur Veränderung. Im Mittelpunkt seiner Kunst steht immer der Mensch und seine Lebensumgebung. In seinen frühen Arbeiten, den Kaufhaus-Objekten, setzt Glasmeier industriell in Serie gefertigte Alltagsgegenstände als künstlerische Elemente ein und schafft interaktive Werke, die Bekanntes in einem anderen Kontext zeigen und auf Veränderbarkeit ausgelegt sind. Während er in seinen Plakatgestaltungen und der architekurbezogenen Gestaltung den Einfluss der Ulmer Hochschule deutlich zeigt, verfolgt er in anderen Werken, wie beispielsweise seinen Fotografien einen freieren Ansatz. Indem er mit Spiegelungen, Reflexionen und Schatten vergängliche Ausschnitte der Wirklichkeit festhält, zeigt er, was im alltäglichen Fluss des Wahrnehmens oft untergeht. Das ändert den Blick, öffnet die Augen, schärft die Wahrnehmung des Betrachters. Die Technikbegeisterung der Sechziger Jahre ist im Frühwerk spürbar, aber nicht zentral, wie spätere Arbeiten zeigen. Ab Mitte der Siebziger Jahre ändert sich der Materialschwerpunkt im Werk Glasmeiers. Die Elemente der Konsumgesellschaft treten zugunsten natürlicher Materialien in den Hintergrund. Mit der Verwendung von Fundstücken nähert sich Glasmeier archaischen Kunstformen, wobei er die rationale strukturalistische Herangehensweise mit dem intuitiven Ansatz vereint und die Auseinandersetzung mit der Struktur auf universale Fragen ausweitet.

Diese Ausstellung wird Rolf Glasmeier anlässlich der Übergabe seines Nachlasses an die Stiftung für
Konkrete Kunst und Design Ingolstadt gewidmet. Zur Ausstellung erscheint ein Katalog.
Die Ausstellung wird unterstützt von Audi ArtExperience.

Informationen im Überblick:

Titel: Rolf Glasmeier - Retrospektive
Ort:  Museum für Konkrete Kunst
Tränktorstraße 6-8, 85049 Ingolstadt
Laufzeit: 01.06.2008 bis 20.07.2008
Eröffnung Samstag, 31.05.2008 um 18.00 Uhr
im Museum für Konkrete Kunst, Ingolstadt
Öffnungszeiten: Di. bis So. 10.00 bis 17.00 Uhr
Veranstalter Museum für Konkrete Kunst
Stiftung für Konkrete Kunst und Design Ingolstadt
Pressekontakt: Museum für Konkrete Kunst
Tränktorstraße 6-8
85049 Ingolstadt
Tel. 0841 / 305 1871
Fax 0841 / 305 1877
www.mkk-ingolstadt.de/presse

Siebdruck, Fotografie, Video, Installation
Ausstellung vom 9.4.2008 -10.5.2008
Eröffnung am 8.4.2008 um 19.00

Die Galerie Pankow präsentiert in einer ersten Einzelausstellung in Berlin die junge Künstlerin Stefanie Busch.

Stefanie Busch beschäftigt sich in ihrer Arbeit mit dem politischen und gesellschaftlichen Umbrüchen in den osteuropäischen Ländern, hier insbesondere mit dem Balkan und den Ländern des ehemaligen Jugoslawiens.

Die Künstlerin, Jahrgang 1977, aufgewachsen in Ostdeutschland, hat in ihrer Jugend den gesellschaftlichen Umbruch nach dem Mauerfall mit allen Verwerfungen selbst erlebt und daraus besondere Fragestellungen einer jungen Generation an gesellschaftliche Veränderungen in Europa entwickelt die sie am Beispiel der vom Bürgerkrieg begleiteten Veränderungen des ehemaligen Jugoslawiens deutlich macht.

Als Ausgangsmaterial dient der Künstlerin eine umfangreiche Sammlung von Fotografien, die auf ihren vielen Reisen entstanden sind. Aus diesem umfangreichen Bildarchiv bedient sie sich für ihre Fotoserien, Siebdrucke, Filme und Folienmontagen in Leuchtkästen. So entstand u.a. aus diesem fotografischen Skizzenbuch ein aus 7000 Einzelbildern zusammengesetzter Film „inbetween“, deren rasche Aufeinanderfolge ein subjektives aber auch schwer greifbares, flüchtiges Bild des westlichen Balkans zeigt.

In den Folienmontagen in Leuchtkästen greift sie ebenfalls auf fotografische Vorlagen zurück, die sie jedoch auf transparente Folien überträgt, in Fragmente zerlegt und zu neuen Arbeiten collageartig zusammensetzt. Motivische Ausgangspunkte sind Bilder von Siedlungsorten und vom Menschen geformte Umwelt, die, malerisch komponiert, in scharf geschnittenen Bildern in klaren Weiß-Grau-Schwarz-Tönen umgesetzt werden. Ihre flirrende Welt geben diese Bilder erst preis, wenn sie durch die Lichtquelle im Leuchtkasten erhellt werden. Der Leuchtkasten ist hier auch im übertragenen Sinne Instrumentarium nicht Sichtbares sichtbar zu machen. Ihre subjektiven Bildwelten sind Abbild einer individuellen Spurensuche, Dokument eigener Befindlichkeit und künstlerischer Kommentar gleichermaßen.

Stefanie Busch hat an der Hochschule der Bildenden Künste Dresden bei Lutz Dammbeck studiert. Sie erhielt das Hegenbarth-Stipendium der ostdeutschen Sparkassen-Stiftung (2003), das Arbeitsstipendium der Stadt Dresden für Cleveland (2006) und den Grafikpreis für junge Kunst der Kulturstiftung der Dresdner Bank (2007). Sie lebt und arbeitet in Dresden und Berlin.

Zur Ausstellung erscheint ein Katalog

VERLOSUNG: Russische und französische Meisterwerke frei Haus: Zwei LIVE-Leser reisen zur Ausstellung "Bonjour Russland" nach Düsseldorf - Übernachtung im Hilton-Hotel inklusive

Unter anderem sind hier Einflüsse des französischen Naturalismus auf den russischen Realismus zu bewundern. Werke von Léon Bakst, Boris Kustodiew, Nikolai Roerich oder Valentin Serow stehen Namen wie Monet, Renoir, Matisse und Picasso gegenüber. Diese stammen nicht etwa aus Paris, sondern aus zwei berühmten russischen Sammlungen: Morosow und Schtschukin.

Lust auf Kunstgenuss bekommen? Hamburg LIVE verlost für zwei Kunstfreunde eine Reise in die rheinische Metropole Düsseldorf zur Ausstellung "Bonjour Russland". Inklusive Eintritt, Katalog, Anreise mit der Bahn (2. Klasse) und Übernachtung mit Frühstück im Hilton-Hotel. Der Zeitpunkt ist nach Verfügbarkeit frei wählbar. Also rasch bis zum 30. Oktober Mail, Fax oder Karte an LIVE, Stichwort: Kunst (action@abendblatt.de, Fax: 34 72 20 25, Brieffach 2131, 20350 Hamburg) senden. Oder eine SMS mit dem Text LIVE WIN KUNST an 520 20 (49 Cent/SMS). Name, Alter und Telefonnummer nicht vergessen. Bonne Chance!

>> Bonjour Russland - Französische und Russische Meisterwerke von 1870 - 1925 aus St. Petersburg und Moskau bis 6.1.08, Museum Kunst Palast, Düsseldorf, Ehrenhof 4-5, Mo bis So, 10.00 bis 20.00; Infos im Netz (s.u.)

Wien - Mit 16.500 Werken ist die Sammlung zeitgenössischer Kunst der Stadt Wien eine der größte ihrer Art - nun hat sie eine neue Heimstätte: Das "Museum auf Abruf", kurz MUSA. Es verfügt über einen Präsentationsbereich für Themenausstellungen aus der Sammlung und enthält auch die Startgalerie für junge Kunstschaffende sowie die Artothek, die grafische Arbeiten an Wiener Privatpersonen verleiht.

Die städtische Sammlung umfasst Objekte sämtlicher Kunstsparten, mehr als 3.000 Künstler sind darin vertreten. Seit dem Jahr 1951 wurden die Werke im Rahmen von Förderankäufen erworben. Das soll sich auch in Zukunft nicht ändern: Wie Kulturstadtrat Mailath-Pokorny anlässlich der Eröffnung am Dienstag betonte, wächst die Sammlung weiter. Für Ankäufe gibt es ein jährliches Budget von 500.000 Euro.

Teile der Sammlung waren bereits an verschiedenen Orten zu sehen, unter anderem in einer von der Stadt angemieteten Galerie in der Makartgasse. Schon diese Ausstellungsreihe hieß "Museum auf Abruf". Nun gibt es eine neue und zentral gelegene Präsentationsmöglichkeit. Das Kulturamt wurde in der Felderstraße direkt beim Rathaus fündig: Das Museum entstand in den Räumlichkeiten eines früheren Selbstbedienungsrestaurants. Die Baukosten beliefen sich auf insgesamt 4,4 Mio. Euro. Das jährliche Betriebsbudget beträgt 450.000 Euro.

Ein mit Glas überdachter Innenhof bildet das Herzstück des MUSA. Auf rund 600 Quadratmetern wird dort Kunst aus der städtischen Sammlung präsentiert. In einem kleineren Areal sollen im Rahmen der Startgalerie bis zu zehn Vernissagen jährlich stattfinden. Der Eintritt in das Museum ist gratis. (APA)

Wien - Auch einmal "den anderen Klimt im Belvedere zu zeigen", war ein großes Anliegen der Neo-Direktorin Agnes Husslein. Dieses Anliegen hat sie mit der neuen Ausstellung "Gustav Klimt und die Künstler-Compagnie" auf eindrucksvolle Art und Weise umgesetzt. Am Dienstag präsentierte sie der Presse gemeinsam mit Kurator Alfred Weidinger die umfassende Schau in der Beletage im Oberen Belvedere, die ab morgen neben 20 Frühwerken Klimts auch zahlreiche Gemälde und Zeichnungen von Franz Matsch, Ernst Klimt und Hans Makart sowie den Klimt-Lehrern Ferdinand Laufenberger und Victor Julius Berger zeigt.

Gemälde aus Schloss Belesch in Sinaia

Ausgehend vom Frühwerk Klimts widmet sich die Ausstellung anhand von 50 Exponaten der Entwicklung der Künstlergruppe hin zur Moderne. Eingebettet in die Kunst des Historismus werden Arbeiten der Compagnie sowie Einzelwerke von den Brüdern Gustav und Ernst Klimt, die nur wenig mit den später so bekannt gewordenen Arbeiten zu tun haben, gezeigt. Zu den wichtigsten Werken der Schau zählen Gustav Klimts "Fabel" (1883), das frühe Bildnis "Sonja Knips" (1898), Franz Matschs Darstellung seiner Kinder "Hilde und Franzi Matsch" (1901) sowie Gemälde aus dem Schloss Belesch in Sinaia, die zum ersten Mal außerhalb Rumäniens gezeigt werden.

"Keine Blockbuster-Ausstellung" nannte Weidinger die Ausstellung, sie setze aber "tief an den Wurzeln des Belvedere an", wichtige Facetten der Sammlung aufzuarbeiten. Husslein nannte die Auseinandersetzung mit Klimts weitgehend unbekanntem Werk "symptomatisch für die Arbeit des Oberen Belvedere", das ein "Kompetenzzentrum für österreichische Kunst" sei.

Theater und Treppenhäuser

Das junge Malerkollektiv hatte Klimt während seines Studiums an der Kunstgewerbeschule mit seinem Bruder Ernst, der jedoch schon 1892 überraschend verstarb, und seinem Kollegen Franz Matsch gegründet. Die Zusammenarbeit begann mit der Gestaltung eines Festzuges, den Hans Makart 1879 für das Kaiserpaar in Wien ausstattete. Die jungen Maler erhielten daraufhin zahlreiche Dekorationsaufträge für Palais und öffentliche Bauten, wichtige Förderer waren die Wiener Architekten Fellner und Helmer, die die Compagnie für die malerische Ausstattung für Theater in Österreich-Ungarn und am Balkan engagierten. Als "Ringstraßenmaler" etablierte sich die Gruppe mit der Gestaltung der prunkvollen Treppenhäuser des Wiener Burgtheaters und des Kunsthistorischen Museums.

Die nach dem Tod Ernst Klimts ausgelöste Diskussion um die Fakultätsbilder für die Aula der Wiener Universität trennte sich die Atelier-Gemeinschaft nach rund 20 Jahren. Den Jahren nach der Trennung und dem stilistischen Bruch im Werk von Gustav Klimt und Franz Matsch widmet sich ein eigener Raum in der Ausstellung. Diese Bilder verweisen bereits auf das spätere secessionistische Schaffen der beiden Maler. (APA)